ABESDRIS Samy
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"En ce monde" - Salon 2023
Je suis Peintre & Graveur . Je peins et grave toujours à partir d’un thème, fil conducteur de ma créativité. Pour chaque thème je travaille plusieurs années à une série d’œuvres essentiellement abstraites et métaphoriques . Pour chacune de mes oeuvres "suggérer suffit" et laisser l’observateur interpréter librement ce qu’il voit .
Je me conçois comme un artiste « explorateur » qui se renouvelle toujours et encore.
Les tableaux « Fusion naissante 1&2 » sont une représentation métaphorique du potentiel de créativité productive de notre monde , mais aussi celui de la révolte qui sourdre, toujours aux limites du jaillissement .
La déconstruction, la poésie des gravats, les vies d evenues muettes dans l’enceinte des chantiers m’interpellent profondément. Osciller entre souvenirs et présent, forces et apaisement, matières et traces me permet de rechercher, développer et aboutir dans des projets d’une grande variété technique. Redonner un statut d’œuvres d’art à ces bâtiments à présent disparus.
Peinture à l’huile sur toile avec pour thématique les foules humaines
Vision de l'homme et de celle de cet artiste inclassable qui fait de la trace de l'homme une empreinte qui semble venue de l'art rupestre.
« En ce monde » - on peut se demander : « What’s going on » ? Une inquiétude semble s'installer. Notre monde vacille dans plusieurs domaines : la paix, le climat, l’énergie … "
Voyelles
Le choix de la terre comme matière de recherche. 
Je travaille la terre depuis plus de 15 ans en atelier. Ma recherche est essentiellement inspirée de l’intime : lignes, disproportions, angles et rondeurs qui se répondent dans un élan tête-cœur-corps. Aujourd’hui j’associe à mes formes d’autres matériaux, bois et métal, qui viennent opérer un changement de perspective, questionner et confronter le travail sur l’intime en l’extériorisant.
En ce Monde, une famille immense : celle des insectes qui compte pas moins de plusieurs milliards d’individus. Certains, comme les abeilles, sont nécessaires à notre survie. Et d’autres, nuisibles, promènent cependant leur ineffable beauté dans l’Univers.
Dans la mythologie grecque Chaos était le Désordre. Aujourd’hui, ce Désordre est encore bien vivant, constant, protéiforme et ravageur.
Le travail de Barus évoque la présence du sens dans le chaos. Sa peinture suggère à la fois un espace pictural de chaos et le sens intelligible dans ce chaos à travers des signes : graphismes, symboles, calligraphies…
J'aime la nature dans tout ses aspects. Je prends le temps de l'observer, retenir l'essentiel et la traduire en jouant avec l'ombre et la lumière. Les superpositions des couleurs donnant des valeurs contrastées.
Elle puise son inspiration dans la nature. Elle travaille essentiellement au sucre et à l’aquatinte sur 2 plaques gravées sur acier ou zinc ou les temps de morsures sont calculés pour obtenir des valeurs plus ou moins fortes. Le choix des couleurs est essentiel pour jouer avec l’ombre et la lumière.
Que voir en ce monde? Selon le lieu où nous nous trouvons, nous ne regardons pas la même chose. D’aucuns n’y verront que la guerre, d’autres l’effondrement de la démocratie, d’autres encore ne s’ intéresseront qu’à la nature ou aux progrès de l’homme etc, chacun a son prisme de lecture de ce monde.
Le thème de "En ce monde" a résonné fortement en moi, car les voyages travers le monde sont une grande source d'inspiration pour moi. Je pratique aussi la méditation et la sophrologie, qui offrent d'autres voyages intérieurs, source de mon imaginaire créatif. Je crée peintures, collages et assemblages à partir d’un travail de construction par les matières. Les 2 toiles proposées sont représentatives de mon travail : acrylique, avec et sans collage de papiers déchirés peints au préalable, et encore de chine.
La peinture est pour moi un moyen de m'exprimer. Au fil du temps, mes émotions changent, ma peinture aussi. En ce moment, je suis très perturbée par la destruction de la biodiversité. Alors je peins des animaux en voie d'extinction pour les maintenir en vie et lutter contre l'indifférence.
Ces vingt dernières années, nous assistons à une succession d’insurrections, de révoltes, d’émeutes et d’actes terroristes. Nous sommes gavés d’images violentes sur les guérillas urbaines. Si nous ressentons un sentiment d’injustice, de culpabilité et d’impuissance, nous ne pouvons pas rester insensibleq à la beauté des photographies des reporters qui font la une des journaux.
"Artiste à Meudon", je suis depuis longtemps dans une exploration de couleurs et graphismes (encre, acrylique, fusain) qui puissent le mieux exprimer mon inquiétude sur le sort de la nature sur cette planète, et de ce qu'elle subit : une modeste contribution en tant qu'artiste à un réveil des consciences.
Ma pratique des arts plastiques est longue : diplôme de l’Ecole des Beaux-Arts de la ville de Boulogne, Ecole des beaux-Arts de la Ville de Paris...
Transfuge du marketing et de la finance, BloodyBob évolue dans deux univers artistiques parallèles : la photo minimaliste et contemplative, et la création digitale, à travers laquelle il exprime, dans des tonalités chatoyantes, sa vision décalée de l'actualité et des grands enjeux contemporains.
Photographe des lieux, je tente à travers mes photographies d'explorer leur identité, de mettre en avant leur singularité, de raconter leur histoire. Les lieux, en perpétuelle évolution, reflètent la transformation du monde. Certains disparaissent , d'autres se transforment partiellement ou totalement, d'autres changent d'usage. C'est un peu l'histoire du Hangar Y, qui après avoir été construit pour l'exposition universelle de 1878 a été remonté à Meudon pour accueillir les premiers vols en ballon dirigeable en 1884 puis le Musée de l'Air et de l'Espace en 1921 . Aujourd'hui il devient un lieu d'art contemporain et d'évènements du 21ème siècle.
Plasticien depuis plusieurs décennies, ayant participé à plus d’une centaine d’exposition personnelle, je présente deux toiles issues d’une préoccupation qui revient de manière récurrente, le devenir de l’humanité. La disparition du végétal, et des espèces animales, le réchauffement de la planète. La folie meurtrière des hommes. Les artistes doivent participer avec leurs petits moyens à la prise de conscience nécessaire, pour que survive l’homme et sa planète.
Micheline Brice exprime dans sa peinture un sentiment de liberté qui la pousse à aller toujours plus loin dans le monde d'aujourd'hui.
Graphique vil et puissant représenté par la sincérité et l'intensité des émotions d'aujourd'hui dans l'oeuvre de Micheline Brice.
Dans mes constructions, je plante le décor d'un monde complexe et foisonnant, où l'individu se retrouve souvent en situation d'étrangeté, à la recherche de sa véritable place en ce monde.
Touchée comme tant d’autres par la situation en Ukraine, j’ai tenté d’exprimer ce qu’elle m’inspirait à travers la terre et le verre.
Après avoir vécu le destin de tout chaos qui se respecte (à savoir un désordre apparent, des éléments internes contradictoires, des émanations violentes), celui-ci aspire à se poser sur une terre accueillante, histoire de tirer bénéfice de toutes ses expériences accumulées.
Les deux oeuvres présentées ici ressortent apparemment de deux approches différentes : l'une inspirée d'une Vénus grecque classique et l'autre bâtie de manière libre. Cependant chacune rejoint le thème du Salon "En ce monde", la première donnant une dimension temporelle à la question, en interprétant le thème historique de Vénus et la seconde une dimension spatiale en accordant une place particulière aux conflits actuels.
M-A Carlander poursuit un travail commencé il y a deux ans à partir de troncs d’arbre découpés en tranches et présenté en 2017 et 2018 au salon de Sèvres. Aujourd’hui, sur le thème du Chaos, j’ai été intéressée par sa signification la plus ancienne, à savoir, le chaos comme cause première, béance, avant toute création du monde. J’ai ainsi été confrontée à la question fondamentale du la création ex nihilo, le monde né de rien, ou bien ex vacuo, le monde né d’un état pré-existant, à savoir le vide. Le chaos pour moi a donc à voir avec la lumière et l’obscurité, le vide et le plein, l’énergie et l’attraction, mais aussi avec la création et les origines. Il est alors signifié non comme un dés-ordre, mais comme un espace sans forme, un non-ordre, où l’ordre et l’agencement sont à venir.
"Mon travail depuis quelques années s'inspire des formes multiples de la nature, végétale ou minérale. J'aime transposer des feuilles, des pierres, des lianes, peintes à l'huile sur grandes formats, en cherchant à traduire l'émotion, la contemplation du monde naturel dans sa complexité de ses manifestations"
Solange Carvalho puise son univers dans la nature, elle utilise les techniques classiques de la peinture et du dessin
Peintre, graveur et autres, j'utilise diverses techniques au service de mon imaginaire. En ce monde : "Mes chers oiseaux". Ils peuplent tous les milieux, des glaces, aux forêts équatoriales et aux déserts. Au début du XXIe siècle 12% des oiseaux sont en danger !
Le mémorial une vague de sanglots
Je travaille, par série, sur l’archive et la mémoire. Pour chacune je fais des choix, n’hésitant pas à adapter mon écriture plastique et à changer de médium. Des constantes apparaissent cependant. Une inspiration liée à l’intime, le besoin de surprendre, de jouer avec un décalage. Ce décalage est présent dans la pièce proposée. Au bord du chemin sombre, le coquelicot aux pétales si fragiles poussent et repoussent sur des terres hostiles. Symbole de résilience, mais aussi couleur et beauté qui font la richesse du monde et de la vie si nous savons nous arrêter pour les regarder. C'est ce chemin que je veux prendre.
La recherche de Geneviève Compain est depuis des années une quête d’objets oubliés, glanés, qui, en ayant perdu leur fonction première deviennent une source infinie de formes, matières et couleurs qu’il faut «lire» et recomposer. Naissent souvent des thèmes suscités par le présent, par un regard sur le monde actuel et son ressenti. L’artiste établit ainsi un pont entre l’art et la réalité à partir d’éléments plastiques souvent reliés par des «petits bouts de ficelle», parfois éphémères, en tout cas légers comme la mémoire. 
Amenez du "BEAU" en ce monde... !
« En ce monde » si menaçant, guerres , famines, désordres climatiques, problèmes énergétiques , problèmes du travail, de la retraite… : ravages du système économique, CREER quand même- contre toute désespérance- c’est croire en l’utilité des œuvres d’art pour vivre une vie ’belle’. La lutte qui est la nôtre dans nos pratiques d’artiste pour arriver au résultat recherché, c’est comme montrer aux hommes et femmes – et à nous -même- que nous pouvons et devons , par notre action , obtenir des bienfaits et de l’équilibre dans le désordre si douloureux du monde actuel.
Mon tableau est gai, plein de turbulences, plein de revirements, d' anicroches, de clignotements.
Plasticienne passionnée de gravure et de sculpture, toutes les formes d'art m'interpellent ; chaque technique permettant d'exprimer et d'interpréter une représentation de la réalité, d'une émotion , d'un ressenti.
Choas, chaos, chaos en 2018 on ne parle que de cela
Je sculpte toute sorte de pierre ou de bois, souvent en partant d'une forme brute qui a déclenché chez moi un processus créatif. 
"Nathalie Doré montre dans chaque toile l’émotion qu’elle a ressentie devant la beauté bouleversante de la nature, sa compagne de tous les instants, dont elle fait une métaphore de notre propre condition. Chaque œuvre devient ainsi une sorte de portrait intime de l’artiste où elle se dévoile et aspire à être reconnue. Tout semble spontané et facile, mais lorsque l’on prend le temps d’analyser chaque toile, on aperçoit une composition structurée où rien n’est laissé au hasard ! Nathalie Doré est-elle « celui qui erre en lui-même afin de ne pas se perdre » ? Derrière la matière, elle nous invite à toucher à l’immatériel. Et elle nous le donne à voir." AJS
Notre civilisation produit plus de déchets que la nature ne peut en « absorber ».
La méthode non académique de l'utilisation simultanée du gras et du maigre a pour résultat un assemblage instable. Lorsque le mélange improbable constitué par l'encre et l'huile a séché, l'imprévisible maitrisé révèle une sorte de chaos.
Les formes épurées à la limite de l’abstraction, et la matière lisse, simple, belle, douce et tendue.
Se réfugier dans un monde enfoui, immergé; que seuls les initiés peuvent voir.
Parfois, c’est dans le chaos qu’arrive une œuvre. « Palimpseste » est cette œuvre.
Aussi étrange que cela puisse paraître, le chaos, tel que nous l’imaginons, n’existe pas. Dans notre grand Univers tout est ordonné par quatre lois fondamentales : la gravitation, l’électromagnétisme, la forte et faible interaction.
La peinture que je propose est en ce monde "une partie cachée de l'iceberg".
Mari Gautier, plasticienne brodeuse et Isabelle Hervé, artiste peintre travaillent à 4 mains depuis 2022. Elles signent IHH.12 leurs créations plastiques communes nées d’une hybridation sensible et audacieuse entre fils et croquis, peinture et broderies.
Ma nature est multiple. Je peins, je sculpte, j'écris pour m'accueillir et me rejoindre, rencontrer mon univers intérieur.
La couleur et le mouvement des corps sont des éléments essentiels de mon expression picturale. Je cherche à installer un sujet, une composition, à déconstruire et reconstruire l’image, en lui donnant un caractère organique. C’est une confrontation entre la forme et le fond entre le dedans et le dehors en gardant un certain équilibre entre figuration et abstraction.
Chaos intime
Initiée très jeune à la peinture, celle-ci m’est apparue comme une évidence. Les paysages urbains, les visages, les corps, les silhouettes m’ont toujours fascinée.
Initiée très jeune à la peinture, celle-ci m’est apparue comme une évidence.
Ces dernières années l'humanité a subi un état traumatique psychique de sidération suite aux vagues : covid, guerres, tremblements de terre etc.... Peut-on avoir le sentiment que notre monde est anéanti par une obscurité angoissante? Ma peinture est pour moi une méditation, mais aussi un champ de bataille, une révolte, un cri, un élan vers la sortie du désespoir vers l'amour, l’espérance, la bienveillance, la générosité, la tolérance. Dernièrement j’ai réalisé le cycle de tableaux avec les matériaux mixte, en jouant sur les contrastes des matières, couleurs, tons en voulant me rapprocher des effets des vitraux. La beauté et pureté, éclats de couleurs émanent et émergent grâce au contraste: clair-obscur. C'est le passage symbolique de l'ombre vers la lumière et tout ce qu'elle représente.
Les tableaux d’Anne-Sophie Guicheney sont des contes, des évasions poétiques. Dans sa quête, elle scrute la frontière entre le réel et l'imaginaire. Le jeu des couleurs, les superpositions, le graphisme et le dialogue entre peinture et photographie constituent l’essence de ses investigations picturales.
Mon travail personnel interroge la limite entre le réel et l'imaginaire. Les jeux de couleurs, l’opposition de la transparence et de l’opacité, les superpositions sont au cœur de mes recherches picturales. J'utilise les transferts repris à la peinture à l’huile car ils me permettent de partir de la réalité pour aboutir à un univers qui me soit propre. Si je devais définir ma peinture je dirais qu’elle est onirique et colorée. J'explore actuellement deux thématiques : la forêt et la mythologie. Le thème de la forêt me permet de partager la poésie et la beauté de cet environnement. Celui de la mythologie m’interpelle car il recèle de multiples problématiques intemporelles tout en laissant une immense latitude à l’imagination pour trouver des images personnelles et contemporaines.
Je peins mes "Voyages éthérés" après des méditations. Je m'inspire de mes vibrations intérieures pour suggérer des "paysages rêvés", que je souhaite intemporels, poétiques et paisibles. j'utilise les couleurs, les matières, le graphisme de manière à définir une esthétique qui amène le spectateur à voyager vers sa propre paix intérieure. Des végétaux séchés entrent dans composition de mes tableaux ; un écho à Dame Nature que je ressens comme un élément sacré, précieux et en lien étroit avec la dimension spirituelle qui lie l’être humain à la vie et aux énergies qui l'entourent.
Je pose mon regard sur la matière, les couleurs et prends en photo les marques du temps. Mes photos sont ensuite déchirées, fragmentées, superposées par collage pour aboutir à une nouvelle composition.
Me perdre, me laisser guider par mes évidences, envahir par mes émotions, cadrer, déclencher, découvrir les photos, les déchirer, les assembler, me vouloir coloriste et compositeur, coller, faire apparaître une ville ressentie et décalée : voilà le chemin que je suis dans mes carnets de voyages…
Ma démarche se concentre sur la vie le temps passé ou celui qui reste la bonté, l’amour, la liberté, la politique , l’esprit, le coeur et son contraire, la convoitise, la tentation, la visité, ’égoïsme , le mensonge, le pouvoir, l’argent ou l’art-gens .......... sont la toile de réflexion et d’observation contenus dans mes peintures.
Artiste libre indépendant de toute contrainte, je peins depuis 1962 et expose depuis plus de 50 ans en France et à l’étranger.
J'ai créé ces deux œuvres pour symboliser nos fondamentaux. La Liberté et le coeur invitent à garder la foi dans l'Homme, dans l'avenir
Après une licence de doctorat en physique et un Doctorat en médecine, j'enseigne la biophysique à la faculté de médecine de Paris et pratique la radiologie; je travaille également la peinture, la sculpture et la gravure. Puis je suis un cursus d'arts plastiques et je soutiens en 2013 un Doctorat sur l'Imagerie Médicale et la Création Artistique.
Toujours figuratif et contemporain, mon travail choisit le genre humain comme sujet de prédilection.
Inspirée des mouvements avant-gardistes, sa recherche se base sur une liberté d’expression aussi bien dans la technique, le geste et les contraintes plastiques. Elle nous propose un nouveau concept surprenant des vibrations de notre Monde Urbain ainsi que ses questionnements existentiels : la mort, l’amour, la solitude, la vie en société, tous ces sujets qui fondent notre humanité.
Je représente les sujets que j'aime, dans des œuvres en deux dimensions, pour les faire connaître et les mettre en valeur. Je multiplie les techniques et les styles pour les faire correspondre à chaque sujet de manière intéressante, et par un soucis de renouveau et de conquête de la culture au sens large.
Juice Lizard est un artiste plasticien français fan de jeu vidéo, de roller, de graffiti et de Baruch Spinoza
Ce monde n’est pas idéal, des questions éternelles de la vie y sont entendues, restant souvent sans réponse, la douleur de toutes les adversités de notre temps s’y manifeste.
Parallèlement à mon métier d'ingénieur architecte, je pratique la peinture depuis toujours. J'ai participé à différentes expositions individuelles et collectives à Paris, Sèvres, Varsovie, Gdansk et en Normandie.
Mes peintures sont des paysages. je peins le jour, la nuit, les histoires vécues et les histoires rêvées. En ce monde, tout se mêle : futur des mondes lointains, instants des mondes enfuis, présent qui passe. Je me projette dans la peinture, ses accidents, ses aventures de couleurs et de lumières créent un monde en soi. Ce sont des chemins dans des forêts, des plaines, des rochers et des mers, des ciels. des êtres y passent parfois, y laissant leur empreinte.
Face aux drames, je peins pour saupoudrer de rêve nos esprits. J’invente un monde parallèle éclairé de couleurs vives pour raviver l’espoir et la joie. Les personnages surgissent d’un espace fouillé et clament leur innocence. Comme un regard d’enfant qui retient la vie je cherche la petite flamme qui brille en nous.
Tumulte, effervescence, recherche d'harmonie et d'équilibre en ce monde chaotique et perturbé qui commence à réaliser et s'imagine vers une nouvelle voie
Au début des années 80 je découvre le grès et les émaux, la splendeur de cette robe minérale, dense, profonde et très riche m’épate tellement, qu’en tant qu’autodidacte je décide de partir à la recherche de ces magnifiques recettes. Je consacre donc de nombreuses années à leur découverte, qui vont donner lieu à plusieurs articles dans la RCV. La majesté de nos montagnes, l’énergie des volcans et des cascades, cette force et cette beauté j’ai voulu les restituer à l’aide de ce matériau : le grès et les gemmes, afin de les partager avec vous et que vous puissiez aussi vous emparer de cette énergie vitale !
Après avoir utilisé le fusain, la mine de plomb, pinceaux et pastels, je crée des « Petits riens ».
Chaque peinture est une expérience unique, un oubli de soi, l’acte de peindre est une méditation, une tentative de conserver une image plus profonde du moment présent et d’adoucir le cours du temps. Ma peinture est très gestuelle. Je m’immerge progressivement dans le tableau, je le parcours de l’intérieur, conjuguant divers éléments plastiques pour en faire mon propre langage (rapport de couleurs, matière, lumière). Le spectateur se promène dans le tableau, le parcourt du regard au gré des variations et de sa propre sensibilité, chaque spectateur a sa propre lecture du tableau portée par son imaginaire.
Signes et typographies urbaines, empreintes, sillages, stigmates, souvenirs, pistes, marques ou cicatrices… vestiges éphémères autant qu’indélébiles. L’empreinte-signature, trace ineffaçable exorcisant la disparition et l’oubli et dont les stries rappellent celles de l’arbre coupé. Bribes d’enfance et de souvenirs, questionnement identitaire et sociétal, mon travail porte sur l’empreinte et parle de nos vies, des mouvement de la ville et du signe devenu omniprésent. Il explore, mêle et raconte par strates notre histoire et nos cicatrices comme autant de couches successives du temps… ou de la mémoire.
Ma sculpture est volontairement limitée à l'essentiel, simplifiée à l'extrême, je l'aime calme, pure et silencieuse, sans le moindre mouvement désordonné. Je vise toujours tant dans la conception que dans la réalisation de mes œuvres à une plus grande concision formelle
Les œuvres que je propose sont des compositions transposées issues de mon imaginaire. La composition, les cadrages, les rythmes colorées reflètent ce que je désire exprimer en regard des thématiques proposées. A partir de l’observation de ces ensembles, une interprétation subjective permet une ouverture sur le sujet selon la vision de chacun.
Que ce soit en peinture ou en sculpture, on retrouve un contraste délibéré entre élancement et force. La tension fait vibrer l'oeuvre d'un bout à l'autre. En sculpture, le mouvement est capturé, prêt à redémarrer, tel un arrêt sur image. En peinture, c'est un jeu entre les formes et le fond, les couleurs superposées et les matières intégrées.
De l’acrylique, des matières qui forment un jeu avec le fond noir qui fait ressortir les formes.
Élevé dans un milieu artistique, j'ai toujours aimé peindre la Nature sur le motif.
Après les émeutes, après la violence, Paris s’éveille avec l’espoir des lendemains qui chantent.
En ce monde où tout va très vite, nous sommes bombardés d’informations, dans lequel nous nous sentons en perpétuel changement, bousculés par le déchaînement événementiel du monde, mon travail invite à faire une pause et s’interroger.
Les oeuvres présentées sont de la pâte à papier (recyclage de papiers journal, et machine) ,dans laquelle sont incorporés des pigments, des matériaux permettant des couleurs et des textures diverses, et des papiers travaillés par teintures, brulures, déchirement, etc…(les « papillons des «Survivants”)
Sur un support léger, (tulle, tarlatane...) je coule de la pâte à papier, que je fabrique par recyclage de papiers usagés ( journaux, papiers bureau...)
En ce moment le monde n'est pas spécialement Zen !!! B.H. : En ce monde il y eut...... et je n'en veux plus dit le Bernard l'Hermite en sortant de sa coquille ; Capharnaüm : Pagaille dans ce monde !
De mon enfance à Tahiti et en Afrique, j’ai gardé le goût de la nature, de la magie et des couleurs.
Dans l'acte de moulage de papier et le recouvrement par gestes de diverses nuances bleues, je me suis engouffrée dans "un monde"...L'installation qui en résulte évoque au fil de son élaboration, de son déroulement mais de sa non finitude aussi, le décès de nombreux mineurs au cours d'un coup de grisou dans le charbonnage de Marcinelle en 1956 en Belgique . 
Un artiste ne peut rester indifférent aux maux de ce monde, guerres, séismes, destructions, qu’il exprime dans un jet de peinture angoissé …
« Les génocides oubliés par l'indifférence des hommes sont ceux qui feront toujours le plus de victimes. »
« Tant de forêts arrachées à la terre et massacrées achevées rotativées.
Nourrie par mon rapport particulier à la nature, je présente deux oeuvres d'une série où les porosités entre vivant et non-vivant restent floues. L'expression du végétal se fait ainsi l'écho d'une histoire imaginaire "en ce Monde", où coexistent l'interaction du lien avec l'univers.
Depuis quelques années, mon travail s'articule autour de la thématique de l'absence et de la mémoire. Je tente de redonner forme à des enveloppes corporelles qui ont disparu. Bien sur, tout cela est vain, je ne représente que des corps….
Alexandre Meyer nous plonge sans préambule au cœur d'un univers envoûté, sublime et inquiétant. Ses sculptures en papier mâché s'imposent puissamment, sans concession. Leur grande taille les rend d'autant plus présentes et inévitables, presque incontournables. Elles ouvrent sur une dimension mentale au cœur de laquelle l'imaginaire rivalise avec l'étrangeté du rêve éveillé. L'intériorité de l'artiste est à fleur de peau. Tragiques, étranges, monstrueux, les personnages d'Alexandre Meyer hantent l'esprit de ceux dont ils croisent le chemin. Jouant sur le vide et le plein de la sculpture alvéolée, la légèreté formelle devrait l'emporter sur le drame. Elle n'en est que plus accentuée, illustrant la spiritualité contrariée de l'artiste, s'interrogeant sans cesse sur l'existence humaine.
Moriyama exprime travers ses travaux avertissements sur les conséquences du réchauffement climatique.
Hiroyuki Moriyama est né à Kumamoto, au Japon, en 1936. Il s'est installé à Paris en 1963.
J’essaie d’avertir travers mes peintures sur les conséquences du réchauffement climatique.
Kakuko Moriyama vient de Kumamoto, petite ville du sud du Japon .Kakuko construit ses tableaux dans l’espace. Des œuvres d’une beauté toute graphique. Mais qu’ils soient exubérants de couleurs ou sobrement noir et blanc, jamais un cœur ne fait défaut. « Les cultures du monde entier reconnaissent ce signe », indique-t-elle le visage souriant. Alors ils s’étalent. Immenses, sur toute la surface du tableau, ou en minuscules points. Quelle que soit leur taille, ils sont là. Mais ici pour « Chaos » ils sont brisés...
Elle vient se ressourcer auprès du motif, regarde longtemps - intensément.
"Illustrer" ma vision de certaines images de ce monde... telle a été ma démarche artistique pour la réalisation de ces tableaux.
En général, je me laisse "impressionner et guider" par mes expériences personnelles, par l'actualité, la mode, l'évolution de la société, l'écologie, l'économie, la politique... Et que mes tableaux soient abstraits ou figuratifs, j'aime que le spectateur s'empare du visuel et laisse parler son imaginaire. Dans le cas présent, ce qui est présenté s'inscrit dans une voie largement visitée auparavant : urbanisme et nature "Dans un monde qui se dégrade, se fissure quels que soient les domaines, valeurs, civisme, écologie... l'espoir et la nature reprendront toujours leurs droits."
Je sculpte des personnages dynamiques et en mouvement dans lesquels j’utilise le contraste entre la matière brute de la terre et le lisse et le coloré de l’émail.
Il n’y a jamais eu de frontière et il y a toujours eu le hasard des rencontres. Quand je commence un roman, un tableau, quand on prend une photo, quand on réalise un film, je n’ai jamais d’explication. Je ne sais pas pourquoi. C’est l’instinct qui parle.
Je me questionne sur les murs anciens abimés par le temps, je détaille l'écorce des vieux arbres , l'eau et son agitation m'intriguent.
L’estampe comme territoire d’exploration. Où il s’agit de questionner sans cesse ce que la matière a à nous dire, ou nous taire… Cheminement sans fin pour révéler ce qui ne se voit pas, dévoiler ce qui ne se dit pas, suggérer ce qui ne se partage pas.
Né en Allemagne, Dieter Rudiger est arrivé en France à l’âge de 25 ans où il fait des études de philosophie. Après avoir travaillé dans l’informatique pendant 30 ans, il décide de se consacrer à la photographie.
En ces temps douloureux le thème de notre salon 2023 « En ce monde » me permet d’exprimer mes sentiments et de « rêver à un autre monde »
Peintre et graveur, je suis sensible aux remous du monde actuel.
Ce monde m'est instable, vertigineux, entre ombre et lumière. Autour de moi, mes semblables m'y paraissent captifs d'écouteurs, de claviers et autres câbles. Ils ne se parlent plus, ne s’entendent plus, ne n'écoutent plus. Ils sont présents l'air égaré, connecté, ailleurs, sans lien entre eux, et la réalité, la nature.
Dans ce projet photographique, j'ai emprunté la figure d´Eurydice. Par l'incarnation de ce personnage féminin protéiforme et, dans la lignée des réécriture de cette figure mythologique, je m'interroge sur la possibilité d'être femme dans un espace sociétal et environnemental en pleine mutation. Les prises de vue à travers un filtre rouge, proches d'une vision endoscopique, donnent à ces images un aspect hallucinatoire ainsi qu'une dimension symbolique et poétique à cette performance.
Bea Socher est née en France dans l’Aisne en 1967. Après avoir étudié la médecine, elle vit et travaille actuellement à Sèvres. Elle a participé à de nombreuses expositions collectives sur Paris (Grande Masse des Beaux Arts et l´âge d´Or), à Meudon (CAC), Boulogne (Espace K), Regensburg (Atelier G. Klobouk) et Francfort (Atelier I. Holitzka) en Allemagne et Shanghai (ArtCN) en Chine.
La toile représente une vision cadastrale de notre monde. On peut y voir une forme humaine dont le centre serait un nombril surdimensionné. Il symbolise l' origine de ce monde mais aussi l’ égoïsme et l' individualisme des hommes qui menacent notre belle Terre. Les couleurs dominantes sont donc le rouge du feu et le jaune du désert.
Notre Monde est victime d' un consumérisme débridé. L'homme est asphyxié par ses propres déchets. Son salut sera-t-il dans l'Ailleurs?
Héritier d’une culture méditerranéenne, mon œuvre appelle à une réflexion mémorielle au travers d’une recherche expressive sur des bases « primitivistes ». Je développe une plasticité interrogeant la possibilité du dialogue entre classicisme et contemporanéité.
Le pouvoir fantastique de la matière à générer des images et sa capacité à créer des univers multiples, sont à l’origine de mes dessins. Du macrocosme au microcosme, appartenant au règne végétal, animal, ou à l’humain, des créatures surgissent. En cours de métamorphose, de transformation, entre réalité et imaginaire, elles donnent naissance à ce monde chaotique, faisant apparaitre plusieurs niveaux de lecture. Perdre ses repères pour mieux se perdre dans le dessin.
Photographe autodidacte, j'ai grandi en Afrique et je suis imprégnée de multiples références esthétiques et culturelles. J'aime innover, essayer de nouvelles techniques, de nouveaux mediums, ajouter à mes photographies de la broderie, de la peinture, du découpage. L'art, pour moi, est avant tout un terrain de jeu aux possibilités infinies.
Graveuse, dessinatrice et créatrice de livres d’artiste, Carole Texier centre son travail sur l’Humain, ses interrogations et son individualité. Elle explore ainsi depuis quelques années le thème de la foule, phénomène majeur de notre époque. On les voit se constituer très fréquemment et partout à travers le monde lors de gigantesques manifestations et lors des flux endémiques de réfugiés. Réelles ou fictives - réunions volontaires ou fortuites d'individus que le hasard rassemble ou mobilisations éphémères de figurants orchestrées par les technologies modernes et les réseaux - elles reviennent sur le devant de la scène sociale.
Mon travail d'artiste s'imprègne des endroits où je réside et de leur métamorphose par la lumière. La nature est prégnante dans mon oeuvre: arbres spirituels ou rêveurs ,animaux pressentis dans l'alcôve d'une rivière ombreuse , paréidolies dans les reflets et les nuages....En ce monde grignoté par le béton et la pollution, des arbres impertinents débordent les murs ou lèvent leurs bras en fête vers le ciel. En leur présence, je pense à des sources, au vent, au chant des feuilles, à la nature souveraine de ce monde
Le Chaos est terrifiant si c'est un coup d'arrêt à ce qui existait mais prometteur si c'est une promesse de renouvellement.
Ce qui m’intéresse dans la sculpture ce n’est pas de reproduire ce qu’on voit mais de retrouver et de faire retrouver l’émotion qu’on ressent face à ce qu’on voit. Pour cela, je recherche dans un modèle, les lignes et les volumes les plus en phase avec mon propos et j’évacue le superflu comme autant de scories et, parallèlement, j’ajoute des influences que j’ai reçues précédemment comme un cuisinier ajoute des épices à ses ingrédients principaux.
« C'est un œil entre deux lentilles de verre. Un œil à ouverture constante sur un horizon qui va et vient. Un œil qui dicte d'un clic le court instant d'un geste, d'un sourire d'un nuage ou d'une vague. Un œil qui lit l'émotion, traduit les sensations et lui donne une mémoire... Et derrière cet œil, il y a Gilles ! » Michel Gau
« Dans l'âme des gens, les raisins de la colère se remplissent et deviennent lourds… »
Notre Monde est confronté à une crise d'une telle ampleur que les alertes s'intensifient.
Depuis mon arrivée en France en 2015, je travaille autour de la condition des femmes et de l’impact de certaines règles, normes ou lois sur leurs libertés. Par mon travail, je souhaite protester contre l’inégalité et les violences dont les femmes sont victimes. Actuellement réfugiée politique, je ne peux pas retourner en Iran car les autorités iraniennes me jetteraient en prison pour avoir exposé mes rêvesde liberté en public.
DÉSERT, c’est un paysage magnifique mais aride, l’eau y est un bien précieux.
« La tour de Babel », c’est la folie des hommes, juste avant le chaos.